Le vendredi n’a pas attendu les premiers accords pour frapper fort. Dès la fin de matinée, Clisson ressemble déjà à une immense plaque chauffante. Le soleil cogne sans relâche, l’air est lourd, presque immobile, et chaque pas sur la poussière donne l’impression de traverser un four à ciel ouvert. Les gourdes et autres camel bag se vident à une vitesse affolante, les rares zones d’ombre deviennent des territoires convoités, et même les habitués du Hellfest savent que cette journée ne laissera aucun répit.
Avant même le premier concert de notre parcours, une certitude s’impose : aujourd’hui, il faudra autant gérer son endurance que son planning. Entre les longues traversées du site, la chaleur qui écrase les organismes et les fosses qui promettent de monter rapidement en température, les conditions s’annoncent presque aussi redoutables que les décibels.
Brothers of metal
Sous un soleil déjà lourd en ce vendredi 19 juin 2026, les Suédois de Brothers of Metal ont lancé leur passage au Hellfest avec un créneau matinal sur la Mainstage 2 (12h50–13h30). Un horaire peu indulgent pour les festivaliers encore en train de se réveiller, mais parfaitement adapté à l’univers du groupe, entre énergie héroïque et power metal fédérateur.
Dès les premières minutes, le collectif nordique impose son identité : riffs tranchants, chœurs massifs et imagerie inspirée des mythes vikings. Sur scène, le groupe transforme la Mainstage en champ de bataille épique, alternant titres puissants et refrains conçus pour le chant collectif. L’ambiance se distingue rapidement par son aspect festif, presque théâtral, fidèle à leur réputation de “modern Vikings” du power metal.
Le set, relativement court, laisse peu de place aux digressions mais enchaîne efficacement les morceaux phares du groupe. Le public, encore dispersé en début de journée, répond néanmoins présent, avec une énergie qui monte progressivement au fil du concert.
Visuellement, la prestation reste sobre comparée aux mastodontes du festival, mais compense par une forte cohésion scénique et une exécution sans faille.
Brothers of Metal livrent un concert solide, efficace et fidèle à leur univers, sans surprise majeure mais parfaitement calibré pour une ouverture de scène principale.
Die Spitz
Pour mon premier passage par la scène Warzone cette année, le choix de Die Spitz s’est imposé comme une évidence… et l’expérience s’est révélée aussi brutale que mémorable.
Le groupe texan, exclusivement féminin, débarque avec une énergie immédiate : pas d’introduction superflue, pas de montée progressive, mais une entrée directe dans un punk/hardcore nerveux, saturé et volontairement instable.
Sur scène, Die Spitz impose une présence singulière. Les quatre musiciennes alternent entre instruments, vocaux abrasifs et déplacements constants, créant une impression de désordre maîtrisé. Cette circulation permanente de l’énergie donne au set une dynamique particulière : rien n’est figé, tout semble pouvoir basculer à tout moment.
Le caractère exclusivement féminin du groupe ne relève pas ici d’un simple détail biographique, mais participe aussi à la singularité de leur impact scénique dans un registre punk souvent dominé par des formations masculines. Elles occupent l’espace avec une assurance brute avec une intensité constante.
Dans le public, la réponse est immédiate. La fosse de la Warzone réagit comme un seul bloc, oscillant entre pogo et déferlement contrôlé, fidèle à l’esprit du lieu. L’échange entre scène et public devient rapidement le moteur principal du concert.
En une trentaine de minutes à peine, Die Spitz laisse l’impression d’un set court mais dense, presque saturé d’énergie, qui confirme leur réputation grandissante sur la scène alternative internationale.
Einherjer
Sur la scène Temple, Einherjer a livré un set solide, direct et sans artifice, fidèle à son identité de pionniers du folk/viking metal norvégien.
En 45 minutes, le groupe impose une ambiance froide et guerrière, portée par des riffs lourds et des tempos moyens réguliers et entraînants, avec une dynamique très martiale. Pas de mise en scène excessive : tout repose sur le son et l’impact des compositions.
Le public accroche rapidement à cette exécution carrée, typique d’un groupe qui privilégie la cohérence et la puissance plutôt que l’esbroufe. Les morceaux s’enchaînent sans temps mort, alternant passages écrasants et respirations plus atmosphériques, toujours dans une esthétique sombre et nordique.
Dans cet écrin taillé pour les formes les plus extrêmes, Einherjer trouve un terrain idéal. Le groupe ne cherche pas à surprendre, mais à confirmer : une prestation maîtrisée, efficace et fidèle à sa réputation.
Un concert sans fioritures, mais parfaitement exécuté — du viking metal droit, dense et assumé.
Bloodywood
C’est clairement le premier groupe que j’attends avec impatience ce jour-là. Leur passage fait partie de ces rendez-vous évidents, ceux qui s’imposent dès le début de la journée et qui structurent déjà la suite.
Bloodywood s’est imposé avec un nu metal-folk frontal et immédiatement identifiable : des riffs massifs accordés bas, une rythmique très percussive, et un duo vocal qui alterne entre rap nerveux et lignes plus chantées. L’ajout d’instruments traditionnels indiens n’est pas un simple habillage, mais un élément pleinement intégré à l’écriture, qui renforce autant le groove que l’impact rythmique.
Sur scène, le groupe privilégie une énergie continue, presque sans respiration. Les morceaux s’enchaînent avec fluidité, dans une logique de bloc compact, où les transitions sont réduites au strict minimum. Le chant, très projeté et frontal, est soutenu par une section instrumentale qui maintient une pression constante, appuyée par des rythmiques sèches et efficaces. L’ensemble donne une impression de tension maîtrisée, sans temps mort, avec une dynamique basée sur des pics successifs plutôt que sur une montée progressive.
Le souvenir de leur précédente venue renforce forcément l’attente. Ceux qui les ont déjà vus savent que le groupe ne s’inscrit pas dans une logique d’installation progressive : l’intensité est immédiate, et le set repose sur une succession de moments forts, pensés pour garder le public en état d’alerte permanent.
Ce concert joue un rôle de déclencheur dans la journée. Il impose un rythme, fixe une intensité, et laisse derrière lui une impression d’un set beaucoup trop court, construit pour frapper vite et fort, sans détour inutile — une véritable grosse claque une fois la prestation terminée.
Accept
Sous une chaleur déjà écrasante, le passage de Bloodywood a laissé le public dans un état de fatigue euphorique. Le groupe indien a littéralement mis la fosse à rude épreuve, enchaînant riffs percutants, rythmiques issues du metal moderne et envolées rap-metal qui ont transformé la plaine de Clisson en fournaise collective. Une performance intense, physique, éprouvante, qui a consommé une grande partie de l’énergie des festivaliers avant même le changement de plateau.
C’est dans ce contexte que Accept est monté sur scène. Et le contraste a été immédiat : là où Bloodywood venait de pousser le public dans ses retranchements, les vétérans allemands ont installé une forme de maîtrise plus classique, presque cérémonielle, du heavy metal.
Sans chercher à rivaliser en intensité brute, Accept a opté pour une montée en puissance progressive. Les premiers riffs, massifs et précis, ont servi de relance pour une foule encore haletante mais immédiatement réceptive. Le groupe a rapidement retrouvé son terrain de prédilection : un heavy metal taillé au cordeau, fondé sur des guitares tranchantes et une rythmique implacable.
La voix du frontman, reconnaissable entre toutes, a apporté cette touche rugueuse et nostalgique qui fait la signature du groupe. Si certains passages ont trahi la fatigue naturelle du temps, l’ensemble est resté solide, porté par une exécution carrée et une présence scénique sans artifice.
Ce passage d’Accept a surtout fonctionné comme une forme de respiration après la tempête Bloodywood. Moins dans la surenchère, plus dans la tenue et la constance, le groupe a réussi à reprendre le contrôle de la foule, en rappelant pourquoi il demeure une valeur sûre du heavy metal européen.
Dans une journée déjà marquée par l’excès d’énergie et la chaleur, ce set a agi comme un recentrage : moins explosif, mais parfaitement calibré pour un public qui avait besoin autant de reprendre son souffle que de continuer à vibrer.
Sépultura
Sepultura signe un retour particulièrement symbolique sur scène à Clisson, dans un contexte où le groupe brésilien traverse une phase de transition majeure et d’adieux progressifs à la scène internationale. Figure fondatrice du metal extrême depuis les années 80, le groupe reste associé à une identité sonore unique, mêlant thrash incisif, structures death metal et héritage rythmique brésilien qui a profondément marqué toute une génération.
Sur scène, la prestation est d’une efficacité redoutable : un son massif, dense, parfaitement calibré pour le live, où chaque riff frappe avec une précision presque mécanique. La section rythmique impose une pression constante, tandis que le chant, abrasif et frontal, maintient une tension continue du début à la fin du set. L’ensemble dégage une énergie brute, sans temps mort, avec une exécution solide qui privilégie l’impact immédiat plutôt que les effets de mise en scène.
Les titres issus de la période classique — de Beneath the Remains à Chaos A.D. — restent des points d’ancrage centraux, joués avec une puissance qui rappelle pourquoi le groupe a durablement influencé la scène mondiale.
Dans un contexte de fin de cycle annoncé, chaque apparition prend une dimension presque testamentaire. Pourtant, le groupe évite tout excès de pathos, préférant une approche directe, tournée vers l’énergie et la performance. Le résultat est un concert tendu, massif, où l’héritage n’est jamais figé mais constamment réactivé par le jeu live.
Sepultura apparaît ainsi comme une entité toujours pertinente dans le paysage extrême, capable de conjuguer héritage historique et impact scénique immédiat, sans céder à la muséification que subissent parfois les pionniers du genre.
Helloween
Devant une Mainstage 01 comble, Helloween a livré l’un des premiers moments forts de cette édition du Hellfest. Le groupe allemand, pionnier du power metal européen, y célébrait quatre décennies de carrière dans le cadre de sa tournée anniversaire “40 Years Anniversary Tour”.
Dès les premières notes, le ton était donné : pas de demi-mesure, mais un condensé d’histoire du groupe, pensé comme un véritable voyage à travers les époques. En un peu plus d’une heure, Helloween a déroulé un set calibré comme un best-of monumental, mêlant titres fondateurs, hymnes générationnels et extraits plus récents.
Sur scène, la particularité de cette tournée prend tout son sens : la présence simultanée de Michael Kiske, Andi Deris et Kai Hansen transforme le concert en fresque vivante de l’histoire du groupe. Trois voix, trois périodes, et une même énergie fédératrice qui donne aux morceaux une ampleur rarement égalée en festival.
Le public a notamment répondu avec ferveur sur des classiques comme Future World, I Want Out ou encore Eagle Fly Free, repris en chœur par des milliers de festivaliers. Les titres plus anciens, parfois absents des setlists depuis des années, ont également trouvé une résonance particulière, ravivant la dimension historique du concert.
Au-delà de la nostalgie, Helloween a aussi rappelé qu’il reste un groupe actuel, capable d’intégrer des morceaux récents dans une setlist parfaitement cohérente. L’enchaînement, construit comme une montée en puissance, s’est conclu dans une ambiance de communion générale, typique des grands moments de headliner.
En clôture, le groupe a laissé le public sur une impression de synthèse parfaite : celle d’une carrière célébrée sans passéisme, mais avec une énergie intacte. Helloween n’a pas seulement joué un concert anniversaire — il a résumé quarante ans de power metal en un seul souffle.
Iron Maiden
Iron Maiden s’impose avant même les premières notes comme l’un des moments centraux du week-end. Dès les heures précédant le concert, le public s’amasse massivement devant les Mainstages, bien en amont de leur passage, dans l’espoir de sécuriser une place correcte face à une affluence déjà écrasante. Dans une chaleur particulièrement intense, cette installation progressive devient presque un rite d’endurance : rester en position relève autant de la détermination que de la résistance physique. Dans ce contexte, Maiden apparaît comme un point de fixation évident du festival, celui autour duquel se structure une large partie de l’attente collective.
Sur scène, le groupe confirme immédiatement ce statut avec une prestation d’une rigueur impressionnante, construite comme un enchaînement parfaitement maîtrisé de séquences destinées à maintenir une tension constante. Iron Maiden ne cherche pas à surprendre par la forme, mais à pousser sa propre mécanique à un niveau d’exécution maximal, où chaque élément semble calibré avec précision.
Dès les premiers morceaux, le son se déploie avec une puissance et une lisibilité remarquables, malgré les contraintes d’un format festival. Les guitares, signatures du groupe, installent immédiatement leur architecture caractéristique, alternant riffs incisifs et harmonies plus épiques. La section rythmique, d’une stabilité presque imperturbable, donne à l’ensemble une assise solide qui permet aux compositions les plus longues de conserver leur dynamique sans jamais perdre en impact.
Bruce Dickinson occupe, comme toujours, le centre de gravité du dispositif scénique. Sa performance repose autant sur la voix que sur la présence physique, très mobile, presque narrative, donnant à chaque morceau une dimension incarnée. Malgré l’exigence vocale du répertoire, il maintient une intensité constante, jouant sur les contrastes et la gestion de l’endurance avec une maîtrise évidente.
Mais l’un des éléments les plus marquants du concert réside dans la relation directe qu’il entretient avec le public. Tout au long du show, Bruce Dickinson multiplie les tentatives de français, parfois approximatives, souvent simples, mais toujours pleinement assumées. Ces interventions reviennent à des moments clés, créant une forme de dialogue discontinu mais constant avec la foule. Dans un cadre aussi massif que celui du Hellfest, cette volonté de contact réintroduit une proximité presque inattendue.
Là où cela devient particulièrement efficace, c’est dans le registre de l’humour. Dickinson se permet plusieurs traits volontairement maladroits dans un français hésitant, jouant sur les mots, les accents ou les tournures bancales. Ces passages déclenchent systématiquement des réactions très fortes du public, qui y voit autant un effort sincère qu’un moment de complicité. Loin de fragiliser son autorité scénique, cette autodérision renforce au contraire son charisme : il apparaît à la fois comme une figure mythique du metal et comme un frontman capable de se décaler légèrement de son propre statut.
Cette dimension relationnelle agit comme une respiration au sein d’un show par ailleurs très structuré. Elle ne perturbe jamais la mécanique générale, mais elle en modifie subtilement la perception, en introduisant une forme d’intimité à l’échelle d’un public massif. Dans un Hellfest où la densité et la chaleur tendent à uniformiser l’expérience, ces interactions redonnent une texture plus humaine à l’ensemble.
La construction du concert, elle, reste d’une cohérence exemplaire. Les morceaux s’enchaînent comme des chapitres, alternant vitesse et développement épique, dans une logique de montée en puissance parfaitement maîtrisée. Les pièces les plus ambitieuses du répertoire prennent ici une ampleur particulière, soutenues par une scénographie efficace, sans surcharge, mais suffisamment expressive pour renforcer la dramaturgie musicale.
La présence d’Eddie, figure emblématique du groupe, ponctue ces séquences en apportant une dimension théâtrale qui structure visuellement le show. Les effets pyrotechniques et les transitions viennent souligner les moments de rupture sans jamais détourner l’attention de la musique, qui reste le cœur du dispositif.
Au final, Iron Maiden livre à Hellfest 2026 une performance qui tient autant de la démonstration que de la confirmation. Le groupe ne cherche plus à prouver quoi que ce soit, mais à faire fonctionner son langage scénique avec une précision quasi industrielle. Et dans cette maîtrise totale, les efforts de Bruce Dickinson pour créer un lien direct avec le public viennent ajouter une couche supplémentaire : celle d’un concert massif, spectaculaire, mais ponctuellement traversé par une forme de proximité rare à cette échelle.
Et c’est précisément là que réside la singularité du groupe : un concert d’Iron Maiden ne s’écoute pas, il s’absorbe entièrement, il engloutit le public et l’emporte dans une expérience totale, immersive, physique autant que sonore.
Sabaton
Parmi les grosses attentes de cette journée , Sabaton occupait une place à part pour moi, tant le groupe suédois fait partie de ceux que j’apprécie particulièrement. Habitué des grandes scènes européennes, il était attendu pour son mélange unique de puissance militaire, de narration historique et de mise en scène spectaculaire. Sur la Mainstage 2, il a répondu présent avec un concert pensé comme une fresque continue, plus proche d’un récit que d’une simple succession de morceaux.
Le show démarre sans détour avec “Ghost Division”, immédiatement efficace pour installer le rythme et la signature martiale du groupe. Sabaton enchaîne ensuite avec “Yamato” puis “The Red Baron”, poursuivant une ouverture centrée sur la guerre et les figures militaires, dans une montée en intensité parfaitement maîtrisée. “The Last Stand” et “Great War” prolongent cette dynamique, alternant puissance frontale et narration plus théâtrale, tout en maintenant une cohérence d’ensemble très solide.
Avec “Stormtroopers”, le concert conserve son énergie, avant de marquer une première rupture émotionnelle avec “Christmas Truce” et “Soldier of Heaven”. Le ton se fait plus grave, plus contemplatif, sans jamais casser la tension du live. Ce contraste fonctionne particulièrement bien en festival, où ces respirations renforcent l’impact des morceaux les plus explosifs. “Night Witches” relance ensuite la machine avec une intensité plus sombre et une tension dramatique nettement réaffirmée.
L’un des moments les plus marquants de la soirée arrive avec “I, Emperor”. La présence d’un personnage incarnant Napoléon sur scène, accompagnée d’un passage de La Marseillaise, donne au titre une dimension théâtrale assumée. On bascule ici clairement dans une forme de mise en scène historique vivante, où Sabaton pousse encore plus loin son concept habituel de narration musicale.
La dernière partie du concert s’inscrit dans une montée vers le final. “The Attack of the Dead Men” et “Bismarck” imposent une lourdeur et une ampleur sonore particulièrement efficaces en plein air, suivies de “Hordes of Khan” et “Templars”, qui prolongent ce fil rouge centré sur les grandes figures et les épisodes marquants de l’histoire militaire.
La conclusion du set repose sur trois titres devenus essentiels dans l’univers du groupe. “Primo Victoria” déclenche une réaction immédiate du public, repris massivement en chœur. “Swedish Pagans” installe un moment de communion quasi ritualisé, typique des concerts de Sabaton, avant que “To Hell and Back” ne vienne clôturer l’ensemble sur une dernière montée en puissance parfaitement calibrée pour un festival de cette ampleur.
Au final, ce concert de Sabaton au Hellfest 2026 s’impose comme une performance très construite, pensée dans son ensemble comme un voyage cohérent à travers différentes époques et figures historiques. Entre efficacité scénique, narration continue et gestion précise des temps forts, le groupe a livré un show taillé pour les grandes scènes, où l’histoire devient un moteur direct de l’énergie live.
Ultra Vomit
La fin de soirée sur Hellfest 2026 avec Ultra Vomit s’est imposée comme une montée continue vers un point de rupture total, où la musique, la parodie et l’énergie collective finissent par se confondre dans une même folie parfaitement maîtrisée — mais avec, cette fois, une charge émotionnelle inattendue qui traverse tout le set.
Tout commence avec Métal Évier et Doigts de Metal, repris en chœur par une foule déjà entièrement acquise. Fetus y déploie une palette vocale impressionnante : growls outranciers, chant presque solennel, ruptures absurdes… une performance qui oscille constamment entre prouesse musicale et sketch géant, sans jamais perdre le public.
Puis vient Miction impossible (Sonde de bite), qui prend ici une dimension particulière. Le morceau, déjà culte par son absurdité assumée, est désormais lié à un contexte bien réel : l’année précédente, l’hospitalisation de Fetus avait contraint le groupe à annuler sa venue au Hellfest. Ce retour transforme le titre en véritable exutoire collectif. Avant même les premières notes, l’allusion est là, légère mais présente, et le public comprend immédiatement qu’il s’agit autant d’un moment de fête que d’une forme de réparation symbolique. Quand le morceau démarre, la fosse explose avec une intensité inhabituelle : ce n’est plus seulement du second degré, c’est une libération différée, un rendez-vous enfin honoré, où l’humour sert de vecteur à quelque chose de plus profond.
Dans la continuité, Je collectionne les canards ouvre une parenthèse encore plus débridée, portée par La Canarmée et Mr Canard, transformant la scène en gigantesque farce collective assumée par des milliers de festivaliers.
Puis Calojira déclenche une nouvelle déflagration. La présence de Christian Andreu donne au morceau une densité inattendue, presque paradoxale : une parodie jouée avec une intensité presque sérieuse. Dans la fumée et les lights saturées, le riff prend une ampleur massive, et la fosse bascule dans une euphorie immédiate.
Juste après, Kammthaar s’impose comme un sommet à part. Véritable parodie devenue culte, le morceau détourne les codes de Rammstein avec une précision redoutable. Tout y est amplifié, théâtralisé, presque mythifié, au point que le public le vit comme un véritable hymne metal, entre admiration et éclat de rire.
Vient ensuite Crazy Train, moment suspendu de l’hommage à Ozzy Osbourne, interprété par Manard dans une version courte, sincère et légèrement incontrôlée. Une respiration étrange dans un set déjà complètement hors normes, où le respect et la dérision cohabitent sans jamais se contredire.
Et sans laisser retomber la tension, A.N.U.S prend le relais pour le final. Tout s’accélère une dernière fois : explosion sonore, montée collective, puis embrasement visuel total avec un feu d’artifice monumental qui transforme la scène en apothéose lumineuse.
Ce show s’impose comme une forme d’apothéose du “metal parodique” : un espace où la dérision n’annule jamais l’émotion, mais la rend au contraire plus accessible et plus explosive. Le final avec feu d’artifice scelle cette idée : derrière le chaos apparent, tout est maîtrisé pour produire une seule chose — une catharsis collective, joyeuse et totale.
Cette journée n’a jamais laissé de répit. Sous un soleil écrasant, la chaleur s’est imposée comme une tête d’affiche à part entière, transformant chaque concert en défi physique. Les groupes les plus brutaux ont entretenu une tension permanente, tandis que les formations plus mélodiques offraient de brèves respirations avant un nouvel assaut sonore.
Au fil des heures, le Hellfest a cessé d’être une simple succession de concerts pour devenir une véritable épreuve collective d’endurance. Entre la poussière, les pogos et les litres de sueur laissés sur le site, le public n’était plus seulement spectateur : il faisait pleinement partie du spectacle.
Lorsque les dernières notes d’Ultra Vomit résonnent et que le feu d’artifice embrase le ciel de Clisson, toute la pression accumulée éclate une dernière fois. La fatigue reprend finalement ses droits, mais il reste cette sensation unique d’avoir vécu bien plus qu’un festival : une aventure collective où la chaleur, les riffs et l’énergie de dizaines de milliers de festivaliers ont battu à l’unisson jusqu’au bouquet final.